Babik Reinhardt ¤ Sinti Houn Brazil

Amateurs de deep soyez extrêmement attentifs, car voilà un disque rare et oublié mais néanmoins doté d'un pedigree des plus significatifs : autant de critères propres à susciter l'intérêt de tout digger respectable... donc exclusif. Mince, de qui est-ce qu'on parle là ?!?

Bref. Ce nouveau post est donc consacré au premier album solo de Babik Reinhardt, et même si la discographie du "fils de" tient sur les doigts d'une main (pas celle de son père, hein...), il constitue très certainement une totale découverte pour vous.

A vrai dire, la distribution extrêmement confidentielle de cet opus est une excuse parfaitement valable. Le label CBS, subdivision européenne de la major d'alors Columbia, est en effet un riche pourvoyeur de raretés (comprenez : disques novateurs difficiles à promouvoir) comme Placebo, Bernard Estardy, Les Masques, le sous-label AKT déjà présenté dans ce post,... la liste est longue.

A l'examen de la pochette, on pressent l'inhabituel, et a fortiori le deep : au recto une image des musiciens se réchauffant autour d'un feu de palettes dans une cour de ferme, au verso un poème abscons** en hommage au leader... et un line-up qui interpelle, la faute à deux noms ronflants car hautement révérés par les amateurs de rare groove de France : Fernando Martins (piano, Trio Camara) et Alex Bonavita (guitare, Structure, compilation Jazz à Marseille). Voilà donc pour ledit pedigree, alléchant avouons-le, de ce quintet complété par Marcel Sabiani à la batterie et Robert Cradel à la basse (et non Jannick Top comme le mentionne le website de Sabiani). Ceci posé, on hésite entre le sentiment appréciable de pouvoir encore, de nos jours, découvrir des disques au potentiel excitant, et celui (moins confortable) d'avoir raté quelque chose depuis tout ce temps. Pas sûr que vous trancherez entre ces avis une fois que vous aurez digéré cette chronique...
Bref derechef. Maintenant que les présentations sont faites, concentrons-nous sur la musique s'il vous plaît. L'entrée en matière est relativement abrupte, impression retrouvée tout au long de l'écoute : les tempos sont enlevés, la batterie (très sèche) ou les riffs nerveux de la guitare rythmique sont présents dès l'introduction des morceaux. Bien qu'indéniablement seventies, le son surprend quelque peu et semble même un peu froid... Les timbres des instruments ne sont pas aussi séduisants qu'on aurait pu l'espérer, de la guitare du leader au son somme toute convenu à la batterie plate et sans ressort (mais avec un peu trop de cymbales...) en passant par le piano Rhodes à la sonorité moins chaleureuse qu'à l'accoutumée. Tout cela souffre de la comparaison avec les références du genre, la faute à une production visiblement limitée, mais néanmoins garante de deep, again. Dans l'ensemble, l'ambiance se montre méditative et mélancolique, sans autre relief que les variations d'intensité des longues plages d'improvisation dans lesquelles il est bien difficile de déceler un lien avec le Brésil, à moins que le titre de l'album ne soit simplement trompeur. Mais alors, où donc réside l'intérêt de ce disque ? Certainement dans son caractère unique, ce qui de facto le rend difficile à classer. Lorgnant vers le jazz-rock alors en plein boom en Europe, mais dans une version artisanale bien atypique, les musiciens y expriment leur vécu à nul autre pareil, sans chercher à copier les productions américaines par des gimmicks éculés ou des arrangements grandiloquents.

Il faut rappeler qu'à l'époque (1972) les moyens tant matériels que financiers requis par les instruments électrifiés limitent grandement leur accessibilité et donc leur maîtrise. En particulier, les synthétiseurs n'ont pas encore déferlé sur le Vieux Continent. En France ils restent confinés à des studios montés de toutes pièces par des musiciens-chercheurs à la richesse substantielle : Ganaro pour Eddie Warner, CBE pour Bernard Estardy, etc. Les contraintes associées à l'utilisation de ces machines (encombrement, connaissances technologiques requises, coût d'importation) ont retardé leur apparition dans la musique européenne, entretenant le décalage avec les classiques alors enregistrés aux Etats-Unis, renforçant du même coup la singularité des albums de cette courte mais faste période.

"Sinti Houn Brazil" navigue donc dans la vaste catégorie du jazz plus ou moins "fusionné", adulé déraisonnablement par une poignée d'aficionados, délaissé voire moqué par le plus grand nombre. Il reste à faire fi de la temporalité de l'œuvre, pour l'apprécier en esthètes simples... mais authentiques.

Après vous : huup://www.mediafire.com/file/vzd2z3bbfmnk5kh/13+-+Babik+Reinhardt.zip/file

** ledit poème est signé Sandra Jayat dont il est question ici et là.

Full Moon Ensemble featuring Claude Delcloo ¤ Crowded with Loneliness

Cette fois c'est sûr, on est dans le deep du deep. La preuve en est qu'un disque du calibre de ce Full Moon Ensemble n'était toujours pas chroniqué sur la toile jusqu'à maintenant, et qu'on en attend toujours la réédition en bonne et due forme*. Il doit bien se trouver quelque compilation qui ait mis le doigt dessus (au hasard, Sexopolis), mais découvrir cette œuvre majeure dans son intégralité n'était jusqu'à ce jour que l'apanage de très rares chanceux... Et bien réjouissez-vous chers lecteurs, car la démocratisation du partage désintéressé vous vient en secours ici, et maintenant.
Il y a plusieurs façons de connaître l'existence du Full Moon Ensemble quand on ne découvre le merveilleux monde du vinyl qu'à l'époque d'Internet (et du digging). Pour peu qu'on en ait entendu parler, le plus simple est de taper ce nom dans un bon moteur de recherche : on tombe ainsi très vite sur les deux enregistrements live d'Archie Shepp publiés par BYG début 1971 (volumes 38 et 39) et qui ont, eux, été réédités dernièrement. Deux acteurs de cette performance mémorable figurent au line-up de l'album que nous présentons ici : Joseph Déjean et Claude Delcloo. Le nom de ce dernier est l'autre moyen de constater l'existence de ce disque, car Delcloo était tout sauf un inconnu, ayant fondé la mythique revue Actuel en 1968, laquelle était alors exclusivement consacrée au jazz plutôt qu'aux "contre-cultures" en général comme ce le fut dans les moutures suivantes. De plus, Clau-cloo (pardon...) avait déjà un album à son actif, également chez BYG : Africanasia, en duo avec Arthur Jones (volume 6), sans oublier divers featurings aux côtés de Burton Greene ou Jacques Coursil (encore sur BYG), entre autres.

Le plus petit dénominateur commun à tous ces projets est évidemment le free jazz, qui à l'époque connaissait un essor assez incroyable dans l'Hexagone, eu égard à la franche inaccessibilité de ce registre musical. Pour contrer ce handicap, le free jazz avait deux atouts majeurs : sa fraîcheur (à peine 10 années d'existence), et bien sûr sa liberté de ton, qui s'exerçait naturellement depuis les événements de 1968... l'occasion rêvée pour de nombreux jeunes talents de faire entendre leur voix dans un pays où les carrières de musiciens n'existait pas véritablement, et où le jazz faisait toujours figure de produit d'importation. Et comme la filiation avec le blues allait jusqu'à disparaître dans le free, ce "nouveau truc" devenait d'autant plus facile à approprier par des artistes qui n'avaient, pour la plupart, aucun lien de sang avec l'Afrique.
Monter de toutes pièces une formation de free jazz en France au crépuscule des années 1960 était assurément très ambitieux ; l'Histoire a d'ailleurs montré à quel point elles ont été éphémères (Red Noise, Âme Son, Dharma...). Il semble surtout qu'elles n'aient pas su s'émanciper complètement du parrainage des artistes américains qui leur avaient servi d'exemple sinon de sparring-partner, et le Full Moon Ensemble n'a pas échappé à ce constat. Quatre décennies plus tard, il nous reste cet album unique, "Crowded with Loneliness", témoignage infiniment précieux d'une période faste et exaltée.

Après avoir temporairement rejoint le label BYG en remplacement de Fernand Boruso, Claude Delcloo produit finalement l'album du Full Moon Ensemble sur le label CBS. Nul doute que les musiciens y étaient mieux rémunérés, en tout cas de manière plus lisible car... contractuelle. Delcloo obtient surtout un accord de distribution, via le puissant réseau CBS, des œuvres enregistrées sur son propre label AKT. Celui-ci, créé pour promouvoir les artistes engagés dans des directions nouvelles, ne se limite toutefois pas au jazz, contrairement à son concurrent parisien Futura, actif à la même période. L'appui d'une major semble être un atout dans un marché du disque alors en plein essor, puisque seuls des groupes naissants, donc sans notoriété préalable, seront produits : Moving Gelatine Plates, Rhésus O, Cane & Able... L'affaire sera malheureusement pliée moins de deux ans plus tard après une vingtaine de parutions, albums et singles confondus, en dépit de quelques pressages à l'étranger (Hollande, Angleterre).

Certains s'en sont relevés, comme Michel Portal (qui à ce moment avait déjà dix ans de carrière pro derrière lui), ou justement Cane & Able, lesquels délivreront plusieurs excellents LPs au cours des années 1970 sous le nom de Ice et Lafayette Afro-Rock Band. L'expérience AKT ayant tout de même reçu son lot de critiques positives, Claude Delcloo tentera à nouveau, fin 1975, de lancer une série d'albums "découverte" via le label CBS : la collection Marginal consacrée aux "musiques en marge" dont nous avons parlé pour le post d'Umbañ et WAC. L'affaire durera environ un an, le temps d'une compilation et d'une demie-douzaine d'albums... En France, l'avant-garde et l'originalité ont décidément la vie dure.

Enregistré fin 1970, l'album du Full Moon Ensemble est la première parution du label AKT. Il dispose d'une pochette gatefold presque luxueuse, format qu'on ne reverra pas sur les autres sorties AKT, et le graphisme intérieur n'est pas sans rappeler certains LPs américains, en donnant notamment le curriculum astrologique des protagonistes ! Outre le guitariste Joseph Déjean vu dans Cohelmec Ensemble et le batteur-leader Claude Delcloo, le groupe comprend Jeff Sicard et Gérard Coppéré (ce dernier intègrera le collectif Dharma peu après) aux instruments à vent, l'Américain Ron Miller à la contrebasse, Martine Tourreil au piano et l'énigmatique chanteuse Sarah, qui pourrait être Nicole Aubiat de la troupe Chêne Noir.

L'album doit son titre "Crowded with Loneliness" au recueil de poèmes éponyme publié par l'écrivain américain Bob Kaufman vers 1965. Quatre de ces textes sont récités, traduits en français, sur le long morceau "Tribute to Bob Kaufman" constituant la première face : "Mémoires de Guerre", "Renvoyez-Les", "Bénédiction" et "Peut-Être". Les membres du groupe improvisent à tour de rôle pour soutenir ou répondre aux envolées verbales de Sarah, dont la prestation sincère et entière, qui prend le plus souvent la forme d'une déclamation vindicative, convainc toutefois plus par son énergie franche que par sa prosodie parfois essoufflée. Peut-être que les auditeurs non francophones infirmeront cet avis... Il aurait en tout cas été intéressant d'entendre ces poèmes exposés dans leur version originale. Côté musique stricto sensu, le premier mouvement "43 W. 87th Street" est d'abord soutenu par le piano (Rhodes) ; les instruments à vent (Coppéré au saxophone soprano puis Sicard à la clarinette basse) enchaînent les chorus une fois l'énoncé du poème terminé. C'est ensuite "Samba Miaou", qui n'a de samba que le nom, la basse apportant un semblant de groove, où Coppéré et Sicard entament un dialogue au saxophone ténor entre les deux poèmes suivants, le piano et la guitare effectuant la transition avec le troisième et dernier mouvement qui est en fait une reprise du premier "43 W. 87th Street", où le soprano intervient entre les deux dernières récitations de Sarah.

La seconde face démarre avec le morceau "101 W. 85th Street", dont la dénomination est là aussi inspirée par Kaufman. La voix étant absente, il est cette fois possible d'identifier un thème, arrangé pour les deux saxophones (Sicard à l'alto, Coppéré au ténor), avant que le piano, la guitare puis de nouveau les saxophones ne prennent la parole, dans un registre "free for all" maîtrisé. Delcloo et sa batterie finissent par se manifester avant la reprise tronquée du thème. Pour finir, le dernier morceau "King Kong" voit la guitare de Déjean affronter successivement les deux saxophones, sur un tempo plus enlevé que les morceaux précédents, et savamment rythmé par les percussions distillées par Sarah et Delcloo. La basse de Miller, plutôt discrète jusqu'à présent, introduit l'exposition et la reprise du (très court) thème.
Il est difficile d'avoir le sentiment de tout comprendre après avoir parcouru intégralement cette pièce de choix, et les auditeurs qui voudraient en profiter pour découvrir le genre s'en trouveront certainement déroutés. L'impression de densité ne s'estompe pas au fil des réécoutes, les temps faibles étant plutôt rares rapporté à la durée totale. Le terme "Ensemble" s'impose comme une évidence pour décrire cette formation, de par la cohérence du discours combiné des jeunes talents qui la composent. On pense alors à Pharoah Sanders et aux autres messagers de l'héritage coltranien, mais aussi à Keith Tippett, Art Ensemble of Chicago, ou encore Herbie Hancock et son groupe Mwandishi période Warner Bros. Et comme Delcloo l'écrit fort justement dans les notes de pochette, "ce groupe supporte la comparaison avec la plupart de ceux d'Outre-Atlantique", notamment lorsque le feeling global s'éloigne du free pour tendre vers le spiritual jazz d'inspiration purement afro-américaine.

Disparu sitôt le disque publié, le Full Moon Ensemble n'eut pas le temps de laisser une véritable empreinte dans les mémoires, en raison tant du faible potentiel commercial d'une telle œuvre que de la dispersion de ses musiciens dans d'autres projets tout aussi prometteurs que ponctuels. Ce disque mérite donc d'être redécouvert sans attendre, surtout si c'est bientôt la pleine lune...

** Disque réédité par Superfly Records quelque mois après la publication de cette chronique...

We Feel ¤ Somewhere Everywhere / On the Screen

Que dire de cette merveilleuse pépite issue de la scène obscure et méconnue du rock-psych’ luxembourgeois… sinon qu'elle est l'oeuvre des We Feel, le seul autre groupe du genre (et de l'époque) originaire du Luxembourg dont nous ayons connaissance, après les fabuleux Cool Feet.
Très peu d’informations circulent sur cette formation rock dirigée par le certes plus célèbre, mais non moins énigmatique, Jean Eckian. En effet cette sortie du label CBS (que nous situerons en 1969, à une année près) ne ressemble en rien à ce qu'Eckian pouvait faire à l’époque. Il était en effet plutôt tourné vers les « univers » musicaux tout à fait convenus et indescriptibles, sinon impénétrables, de Jacques Dancourt, Blanchard, Maximilien, Michel Fugain ou encore Annie Cordy. En somme, les We Feel se présentent comme un éclair de folie dans le parcours de ce directeur artistique à première vue anecdotique.
Cela dit Jean Eckian a produit en 1971 le single du groupe Skins, dont on raconte qu'il a ensuite donné naissance au fabuleux disque Araconga, ainsi que l'envoûtant "La Passion Selon Judas" de Majoie Hajary. Des projets musicalement très excitants, mais qui n'ont pas eu le moindre succès commercial. Nous n'en dirons pas plus...
En tout cas il semble bien que le 45 tours que nous présentons ici soit l’unique parution du quartet We Feel qui, comme il est indiqué au dos de la pochette, a tout de même d'une certaine manière imité le grand James Brown ! Attention toutefois, ce n'était pas en dynamitant l'Apollo Theater ou en trustant les premières places des Charts US, mais plutôt en effectuant une tournée au sud-Vietnam d'environ un an (en 1967-68) pour soutenir les troupes américaines... De retour sur le Vieux Continent, les We Feel ont enregistré ce single resté visiblement sans suite et destiné à devenir le tube des clubs et discothèques de l’époque. En vérité il n'est pas évident que les deux titres proposés puissent réellement enflammer le dancefloor... Ce n’est pourtant pas faute de contenir un superbe morceau rock psych’ - dénommé "Somewhere Everywhere" - qui propose une wah-wah agressive, des claps soutenant le refrain, une rythmique folle (et le terme est justement choisi : prenez garde aux breaks épileptiques de Pipo le batteur !) et un chorus aérien de Charly à la guitare ! Après la rugosité de ce deep-rock explosif, "On the Screen" se présente comme une ballade aux accents psych' pop inimitables ; cependant le repos n’est toujours pas au rendez-vous, et le son reste sévère et bien lourd. Les deux compositions sont signées L. Haas et C. Hornemann, deux membres du groupe, enfin c’est une supposition car seuls les surnoms des musiciens de ce quatuor (énigmatique lui aussi) nous sont communiqués.

Au final, voilà une sortie obscure de la prolifique série Gemini dont on espère découvrir d'autres raretés, au fur et à mesure que ce disque remplira à nouveaux les dancefloors de toutes les discothèques de France ! On peut rêver.

Taste it : wfsp://www.mediafire.com/file/jyksrpp57wxvw36/02_-_We_Feel.zip/file