What's Wrong with Teasin'

 

La Velle • Brand New Start

Tiens donc, voilà un bien prémonitoire titre en cette époque incertaine ! Allez tous en selle, on se relance !… Mais… attends attends… c'est quoi cette bouse ? qu'est-ce qui se putain de passe ? holà holà ! qu'est-ce qu'un f** disque de variété vient faire dans ce blog ??
Hum. A vrai dire c'est le hasard qui l'amène : ce LP a littéralement surgi entre nos mains lors du contrôle discal hebdomadaire de la boutique Plexus Records, où le bac "boogie-disco" venait tout juste d'être réassorti. Non pas que nous ayons subitement trouvé d'impromptues qualités à ce LP dont la cote plancher est assez justifiée, en vérité c'est tout simplement la typographie pourtant relativement convenue du verso de pochette qui a fait tilt dans nos esprits.
De quoi ? La typo, sérieux ??!!? Dammit… 4 ans de retraite et 2 mois de confinement mais toujours aussi deep ceux-là… Incurables. Ah mais c'est vrai, la library tout ça… ok ok.
Bah ouais les gars, en confrontant le verso de pochette avec celui de "L'Orchestre", on constate une similitude franche, jugez plutôt :

Il se trouve voyez-vous que la chronique du disque d'Ivan Jullien était en pleine élaboration au moment de notre simple visite, et comme le post désormais publié l'indique, il se trouve, again, que l'un des morceaux ("Blues in the Night") est justement chanté par La Velle. De plus, ce lien fortuit amena son questionnement fortuit (ou pas) : et si les musiciens de ces disques à l'apparence semblable étaient les mêmes ?? Sans surprise, c'est à peu près le cas avec au casting André Ceccarelli, Tony Bonfils, Raymond Gimenes et Alex Perdigon, auxquels s'ajoutent Jean-Claude Chavanat, Pierre-Alain Dahan et Jean-Pierre Sabar... en gros c'est du pur requin heavyweight tavu, rien qu'avec ça c'est la psychanalyse assurée.
Est-il besoin de rappeler que la pratique du digging consiste essentiellement à cheminer dans le labyrinthe des productions discographiques en reliant les disques les uns aux autres ?? Au moment d'écrire ce laïus nous écoutons le morceau "The Eastern Question" et nous découvrons (fortuitement !) que les sonorités orientales sont les mêmes que sur "Dancing for You" ; ne seraient-ce pas aussi les mêmes musiciens, instruments, studios ou chauffeurs de taxi ? Le mystère reste entier, merci la library ! Bon… Refermons la parenthèse et redressons la typo…
La Velle (de son vrai nom Louise Lavelle McKinnie Duggan) a pour ainsi dire chanté toute sa vie : grâce à ses parents eux-mêmes musiciens, et du fait d'aptitudes vocales étonnantes affichées dès son enfance - ce n'est pas Yma Sumac, mais quand même. Selon Wikipedia, elle fut en son temps la plus jeune inscrite du conservatoire national de Chicago, et décrocha plusieurs titres prestigieux à la Julliard School of Music avant même sa majorité : de quoi lancer une brillante carrière de chanteuse lyrique, elle qui était passionnée de musique classique. Malheureusement ce milieu pour le moins conservateur - et certainement très raciste - ne lui fait pas de fleurs et la jeune prodige n'a d'autre choix que de se réorienter. Elle choisit alors courageusement de quitter son pays pour venir en France afin de faire sa place dans le game : trois albums paraissent rapidement de 1978 à 1981, celui de 1979 (qui précède donc celui-ci) s'avère d'ailleurs assez réussi. La Velle poursuit ensuite une carrière d'artiste free-lance en jonglant d'un statut à l'autre (choriste, animatrice de master-classes…). Après une vingtaine d'années passées dans l'Hexagone, elle s'installe finalement en Suisse, où elle résidera jusqu'à sa mort en 2016. Elle laisse le souvenir attendri d'une personne généreuse, énergique et talentueuse. 

Si électriser les foules est une compétence bienvenue, en studio c'est une autre histoire. Comme une évidente contrepartie, les apparitions discographiques de La Velle ne sont pas inoubliables. Sa voix singulière attire l'attention et intrigue, c'est sûr : entre rondeur et  puissance, les inflexions et les articulations sont particulièrement précises et inhabituelles dans le genre ; cependant il y a aussi un petit côté lassant... Pas plus que les précédents, cet album "Brand New Start" de 1981 ne sera le départ de rien du tout, la faute à des mélodies assez peu catchy et des techniques vocales éloignées des habitudes du public français élevé à la variet' (se souvenir des shows TV clinquants de l'époque). Certes la production d'ensemble est très propre et les compositions proposent une réelle diversité (disco, reggae, gospel, groove), mais en dépit du casting précité ça ne casse pas trois pattes à un canard… Il y a clairement mieux ailleurs. Autant clore le chapitre là-dessus et attendre un nouveau post plus excitant.

Ivan Jullien • L'Orchestre

La raison d'être de ce blog, vous le savez, provient de l'anonymat plus ou moins épais dont nos trouvailles discographiques se font l'étalage. Pourtant l'opus responsable de notre comeback n'est pas l'œuvre d'un inconnu ! Dépositaire de quelques milliers d'arrangements et de centaines de compositions dispensés tout au long d'une carrière de près de 50 ans, son auteur est en effet un pilier incontournable de la musique populaire française. Encore mieux, la plupart de ses albums sont d'authentiques pièces de rare groove ! Alors… Alors il était grand temps de rendre hommage au regretté Ivan Jullien, et de rappeler l'importance de sa contribution à notre plaisir d'auditeur sensible et de bon goût (wesh cimer gros).
Trompettiste et arrangeur, directeur d'orchestre et professeur, Ivan Jullien est à bien des titres un acteur-clé de l'expression musicale hexagonale. Citons ses innombrables arrangements pour chanteurs de variété, ses relectures originales d'œuvres célèbres (le traitement de Porgy and Bess est hautement enthousiasmant) ou ses compositions de musiques de films et de library, toujours jazz mais jamais nases (prends ça, Frederic B). Ajoutez à cela une vingtaine d'années d'enseignement des techniques orchestrales et la rédaction d'un Traité de l'Arrangement en huit volumes, inestimable thésaurus pour accessibiliser (sic) cet art autant exigeant que primordial, et vous obtenez un modèle unique de compagnonnage artistique contemporain, aussi historique que la contribution d'Ennio Morricone pour le cinéma (tiens, un autre trompettiste). Mais nul besoin de comparaison pour s'assurer du talent d'Ivan Jullien : il n'y a qu'à écouter ses disques pour s'enchanter. Ses partitions témoignent d'un dynamisme immédiat et franc, traduit avec passion et justesse par leurs lecteurs et apprécié comme il se doit par les diggers. C'est peu dire que le big band d'Ivan Jullien a constitué une école fertile pour plusieurs générations de musiciens aspirants professionnels autant qu'un repaire familial chaleureux pour des dizaines de stars amies, dont les noms nous font spontanément prêter une attention toute particulière (voir ci-après).
Sobrement (et sans trop de risque) intitulé "L'Orchestre", l'album que voici est un enregistrement studio du début des années 80. C'est sans doute pour cela qu'aucune réédition (y compris en CD...) n'est à signaler (allô, wewantsounds?) : les œuvres mineures ou discrètes attendent toujours plus longtemps leur seconde vie… En tout cas cela s'entend très peu dans la production d'ensemble : aucun synthétiseur cheapos dégueulasse n'a été employé, et pas non plus de batterie séquencée à déplorer (ouf). L'instrumentation est fidèle aux canons des big bands contemporains et la distribution ne souffre aucun reproche. Comme on peut s'en douter, il y a du beau monde dans le groupe en dépit du renouvellement générationnel ! C'est en gros la rencontre du big band d'Ivan Jullien et du groupe d'André Ceccarelli (cf. son album éponyme de 1981 sur JMS). Parmi les rescapés de l'époque "Synthesis", on retrouve des habitués des sessions de library comme Jacques "Kako" Bessot (Hexagone, J. Nilovic et autres sessions MP2000 : les notes de trompette plus hautes que les étoiles, c'est lui !) ou Alex Perdigon (les productions de Jean-Claude Pierric comme par exemple Godchild), les cadors Jean-Louis Chautemps et François Jeanneau qu'on ne présente plus et le power trio so french fusion constitué de Raymond Gimenes (ex-Mad Ducks) à la guitare, Tony Bonfils à la basse et donc Dédé Ceccarelli à la batterie - cette dernière paire déjà rencontrée dans le brillant projet Working Progress et les nombreuses productions de Jean-Pierre Massiera. A ceux-là s'ajoutent plusieurs invités, dont la chanteuse de gospel La Velle qui venait de s'installer en France pour lancer une carrière qui se refusait à elle dans son Amérique natale.
Contrairement aux crédits de pochette, nous avons choisi de traiter la face A comme un unique morceau (cf. vinyl rip). L'écoute révèle en effet que cette suite a été enregistrée en une prise continue, il n'y avait donc pas lieu de rompre cet enchaînement. Cette pièce de choix s'inscrit dans la lignée des compositions épiques dont Ivan Jullien nous a habitués dans ses opus précédents ; l'introduction progressive (elle s'étend jusqu'au troisième des cinq mouvements !) offre un crescendo contrôlé tant dans l'intensité que dans la gestion du tempo. Impacts percussifs par la batterie, les claviers ou les gros cuivres et phrasés lyriques se succèdent avec clarté et énergie. Outre cette qualité d'écriture si évidente chez Ivan Jullien, c'est la maîtrise du RYTHME qui fait tout l'attrait de sa signature. A vrai dire, n'est-ce pas le propre du big band ? En tout cas dans "L'Orchestre" ça swingue-shuffle-groove top of the pops tu peux pas test© — attention nous déposons cette formulation à la société des auteurs. Les articulations sont punchy, définitivement dynamiques et surtout bien moins prévisibles que chez la concurrence : pas de bouillie de cuivres à l'américaine (rien que d'évoquer Don Ellis, on perd des médiums…) ni d'effets pompeux façon Love Boat ou fête de la bière… Chauvins nous sommes ? Farpaitement ! C'est la finesse de France, ça, monsieur ! Enfin, c'est surtout un travail d'artisan : juste ce qu'il faut de cuivres donc, et une rythmique au complet : toujours mise en avant, elle assume son rôle sans se le faire chiper par les autres pupitres. L'équilibre, on vous dit… Toujours est-il que la montée introductive susévoquée culmine à l'arrivée du groove dans le morceau I.M.F.P. Size (sans doute un clin d'œil à l'Institut Musical de Formation Professionnelle, allez savoir) et chevauche longuement jusqu'au chorus de Jean-Louis Chautemps, qu'on est bien surpris de retrouver dans pareil contexte ! Cela se termine tout aussi progressivement avec une seconde version, étirée, de chacun des deux premiers mouvements, le tout énoncé symétriquement par rapport aux premières !! L'équilibre, on vous le répète… En définitive, l'auditeur retrouvera tout au long de cette face les ambiances déjà appréciées dans les albums "Synthesis" et surtout "Porgy and Bess".
La face B s'ouvre sur une composition somptueuse dénommée  "Batucada por uma Cidade Desconiahecida", c'est-à-dire "batucada pour une cité inconnue", dont le feeling brésilien n'échappera à personne (à Trump, peut-être). La progressivité de l'introduction et la construction symétrique sont encore de la partie, mais on retiendra surtout la vivacité et la féérie du morceau, qui rappelle de glorieux précédents tels "Liberalia" de Vincent Geminiani. L'écriture harmonique est simplement superbe et le morceau avance, avance… Certes son bounce est moins souple que chez les Brésiliens eux-mêmes, mais à lui seul ce track justifie qu'on ose une repress, tant cette batucada de l'inconnu se montre totalement transcendante. Last but not least, le maestro délivre ici un de ses chorus les plus mélodieux. A réécouter en boucle et en boucle !
Composé par Bernard Arcadio, pianiste de la session et frère d'armes niçois de Ceccarelli, le morceau suivant "Idée au Logis" (humour de France©, encore) est tout à fait efficace avec ses syncopes nerveuses, et constitue assurément une belle carte de visite. L'improvisation d'Ivan Jullien est suivie d'un solo de saxophone inspiré et concis (c'est important !) du dénommé Pierre Mimran, nous ne le connaissons pas mais il possède sa page sur discogs, alors bon. Quoiqu'il en soit, on en a pris plein les oreilles pendant une demie-heure, et c'est avec retenue et un standard (zeugma) que l'album trouve sa conclusion : "Blues in the Night" de Johnny Mercer, popularisé en son temps par Frank Sinatra, est ici chanté avec à-propos par La Velle, dans un registre évoquant fidèlement Broadway et ses comédies musicales.
En résumé, ce disque est vraiment très bien et mérite à tout prix d'être redécouvert, sinon réédité, mais ça vous l'aviez compris. Curieusement, c'est une création live — on ne peut plus recommandable car elle envoie le boulet côté rythmique — d'Ivan Jullien captée au festival de Nancy en 1973 qui a été exhumée dernièrement : pour le vinyl regardez donc par ici.

Nettoyage de printemps ?

Food-truck de l'époque préhipsterique (photo Yann Arthus-Bernard)

Back from nulle part ! En voilà une surprise, n'est-il pas. C'est à croire que notre absence accéléra la décrépitude de la civilisation paranoïaque à laquelle nous sommes inféodés ? Hum. Ces mots écrits courant février (eh ouais...) résonnent d'autant plus singulièrement en pleine réorganisation sanitairement contrainte du quotidien. C'est la valse des logiques et le tempo est plutôt bancal : on en vient à prescrire un temps minimum loin des écrans, quel comble... Mais bon dieu la meilleure hygiène domestique qui soit, c'est la musique !! Avouez d'ailleurs que ça vous manquait, les exhumations vinylifiques (sic) servies par le style inimitablement ampoulé de notre rédacteur insomniaque ! Il n'y a pas de honte à cela. Nonobstant, la publication de chroniques plus ou moins obscures fait-elle encore sens en 2020, alors que le vaste Internet permet, après désinfection, d'écouter et/ou acheter à peu près toute la production discographique passée ? L'explication tient en quelques phrases compliquées que nous n'écrirons pas. Profitons plutôt du moment présent sans trop faire chier les voisins (et réciproquement). Restons dignement deep et nous mourrons tranquilles.

Celebrating 20,000 views

Ce blog dort, c'est une évidence. Mais il est loin d'être mort, ho. La preuve avec cette récente vingt millième visite (certainement celle d'un drone Google) alors qu'aucun vinyl deep n'a été rippé depuis plus d'un an. Vos serviteurs n'ont évidemment pas cessé d'être eux-mêmes deep (voire ultra-deep), ni de pratiquer le deep, ce dernier s'incarnant désormais en termes de yourte, de production vinyl indépendante, de dépendance sentimentale, de parentalité, de salariat, de techno grammée, de danse libre et même de PEL... Cela dit, ne nous nous voilons pas les fesses : malgré d'occasionnelles salves excavatrices sinon dépensières, le deep diggin' est effectivement en stand-by. Y reviendrons-nous ? Las, nous ne promettons rien, mais "on peut dire qu'il continuera de se passer des trucs" histoire de faire style "2017 m'emballe" (-ec, sic) même si "de toute façon ça sert à rien" (veuillez retenir cette dernière citation, très utile pour clore un argumentaire poussif). Alors en attendant de relire la prochaine deep chronique, allez donc chez nos amis de Visions Records et Plexus Records : ils ont de l'actu, eux.

Lost in translation

Den Sorte Skole ¤ III

Pour accueillir cette rentrée avec une contrition moindre - quelle barbe tout de même - braquons les projecteurs sur le collectif de Djs "Den Sorte Skole", ce qu'on peut traduire par "L'Ecole Noire" en français, ou encore " The Black School" si tu veux te la raconter en anglais.

Comme l'indique l'image sobre et immaculée ci-dessus, c'est déjà le troisième projet du genre que présente ce trio danois, après deux précédents avatars en 2005 et 2008. Sorti au printemps 2013, il propose cette somptueuse pochette deep black (sic) dont le lettrage blanc caractérise la seconde édition (non numérotée) de mars 2014. Difficile d'imaginer à l'avance ce que renferme ce mystérieux écrin s'ouvrant en triptyque, mais on peut s'attendre à du deep bien lourd - sans blague.

Cette pièce de choix comprend vingt-cinq morceaux répartis sur six faces, mais la continuité de l'ensemble rend ce découpage totalement fantôme : ce n'est rien moins qu'une pièce en six actes, à découvrir dans l'ordre de son choix. Le résultat, aussi fourmillant qu'inclassable, baigne dans l'expérimental accessible, offrant des tonalités folk, prog, psyché et même électro (formidable face E), mais assez peu de groove. La douceur des introductions incite à une écoute calme, et laisse l'auditeur parcourir et développer son monde intérieur en toute quiétude ; l'apaisement est au bout de chaque face… Les longues compositions, aux différences plus subtiles que franches, sont construites avec un soin admirable ; on emprunte l'ascenseur émotionnel plus d'une fois, et sans effort !

En vérité, c'est surtout la manière qui étonne et mérite même une révérence, puisque ce projet n'est constitué que de cassettes et de disques déjà parus. Ultimate bootleg… Les auteurs s'en expliquent longuement dans un épais livret - noir lui aussi - se terminant par un listing exhaustif des ingrédients de ce travail d'orfèvre, preuve définitive - si besoin était - du sérieux de l'entreprise.

En pages centrales du livret, plusieurs colonnes de commentaires décrivent les morceaux un par un, énumérant des informations consistantes sur les références les plus obscures apparaissant dans le mix. Doji Morita, Egil Kapstad, Laghonia, Asha Bohsle, Sermonizer, Co-Mix, Waldjinah, Günter Maas… voilà des noms qu'on ne rencontre vraiment pas souvent, voire jamais, et encore moins ensemble ! Le remarquable éclectisme de la sélection, tout à l'honneur de ces écoliers nordiques, garantit une infinité de portes d'accès à cet univers musical stricto sensu : tous les goûts sont permis… A chaque écoute, y compris la première, une saine sensation de familiarité s'immisce discrètement et capte irrémédiablement l'attention. Très objectivement, il semble impossible de résister à l'envie d'écouter toutes les faces, encore plus de ne pas aimer ces véritables cathédrales sonores. Parole.

Au final, une telle diversité a de quoi étourdir, autant que le télescopage savamment contrôlé de musiques aussi variées : aucun style ne semble avoir été oublié sur la période balayée (a priori 1944-1995). Certains artistes apparaissent à plusieurs reprises (Areski, Young-Holt Unlimited, Egisto Macchi, Les Baxter…) et on constate une forte proportion de musiques du monde, savantes et de library. A raison d'une quinzaine d'échantillons par morceau, on dépasse allègrement les trois cents références : il est naturel d'en reconnaître quelques-uns. Néanmoins, l'intérêt de cette œuvre atypique ne saurait se limiter à une simple avalanche de samples, et force plutôt le respect par sa cohésion, sinon sa poésie.

Enjoy deeply : http://densorteskole.net/lektion-3

PS : Vifs remerciements à la boutique Plexus Records pour cette magnifique découverte !

Philip Catherine ¤ Stream

En 2015, même le moins informé des amateurs de rare groove connaît Placebo. Mais maintenant que les trois albums de ce groupe mythique ont été officiellement réédités, on pourrait peut-être passer à autre chose ? D'autres musiciens talentueux ont proposé des travaux tout aussi excitants : George Jinda dans Speed Limit, Ian Carr avec Nucleus, Volker Kriegel et le Mild Maniac Orchestra... est-ce qu'on en parle autant ? Les découvertes qui s'écartent du commun ont souvent plus de saveur, le bon digger le sait mieux que quiconque (à l'inverse du mauvais digger, cela va sans dire).
Eh bien non, malgré tout, ça ne s'arrête pas. Peine perdue, il y aura toujours quelqu'un pour la ramener avec du PLACEBO RARE EURO GROOVE SAMPLES… Parce qu'après de nombreux bootlegs, après les exhumations de side-projects ou d'avatars tous moins connus les uns que les autres (The J.J. Band, Plus, Solis Lacus…), le "laboratoire" de Marc Moulin demeure une référence fermement incontournable : qualitativement bien sûr, mais aussi par le taux de sampling ou de relecture de son œuvre toujours aussi élevé, bien que tout ait été rabattu sur le sujet depuis environ deux décennies.

Involontairement influent, Placebo étonne surtout par la contemporanéité (sic) de sa griffe, qui s'est invitée dans quasiment tous les revivals depuis que la musique a cessé d'engendrer de nouveaux courants, et dont la patine semble proprement indémodable désormais. Perf' !

Au nombre des piliers de la bande à Marc Moulin, un nom se démarque : celui de Philip Catherine (avec un 'C', ne pas confondre…), formidable guitariste à la carrière exemplairement dévouée au jazz, ponctuée d'innombrables rencontres et de concerts enthousiasmants. La discographie du bonhomme est évidemment très fournie, mais s'avère quelque peu inégale de par ce foisonnement. Curieusement (ou pas ?), son premier album "Stream" n'a jamais connu de réédition à l'heure où nous postons cette chronique*, bien qu'il soit d'excellente facture et qu'il apparaisse, au moins chronologiquement, comme le chaînon manquant entre "Ball of Eyes" et "1973". On est toutefois plus proche du premier cité vu la période d'enregistrement (1970-71), ce que l'écoute vient confirmer.

Choisi comme single, le morceau d'ouverture du LP "Memphis Talk" (mal orthographié sur la pochette du 45t…) est un groove en slow mo plutôt percutant : thème accrocheur joué à l'unisson par les cuivres et la guitare, backbeat très appuyé. Le premier chorus revient naturellement au leader, qui passe bientôt le relais au trombone (l'excellent Jiggs Whigham) sans que l'énergie ne faiblisse pendant ces quatre minutes. Gros track !

En face B du 45, on aurait pu avoir "Jeux Interdits", dont la mélodie connue de tous pouvait sans doute permettre d'écouler pas mal d'exemplaires, surtout en province… histoire d'en trouver plus souvent en vide-grenier, quoi. Las… Peut-être le traitement aventureux (tempo malmené et grosse disto au milieu) infligé au thème de Narciso Yepes a-t-il rebuté les commerciaux de Warner France - encore que Hendrix avait fait pire avec l'hymne américain… Bref, c'est "Un Ecossais dans un Chambre Noire" (nous ne comprenons pas ce titre) qui occupe le flip, et même si la conclusion rappelle effectivement Hendrix (d'assez loin tout de même), cette composition n'incite pas forcément à une réécoute immédiate. Dans un style voisin, mais plus réussi, "Foire" et "Cloître des Célestins", aux thèmes faussement naïfs (voix accélérées, ambiance de carrousel), sont finalement très originaux dans leur développement, plus poussé que pour le susdit flip (non, ce n'est pas une contrepèterie). Autres bons moments, le sympathique shuffle "Bass Line" ou l'inattendue et nerveuse reprise du "Give It Up or Turn It a Loose" de James Brown. Les cinq morceaux restants ("November", "C. & D.", "Stream", "Face", "Let's Put It Like This") portent l'évidente "signature" Placebo, et contribuent tout aussi activement à garantir l'étiquette "rare groove" de cet opus.
Cette signature se perçoit tant par la production d'ensemble que par certains gimmicks récurrents (mélodies et rythmiques fouillées, sons de claviers et arrangements de cuivres aux couleurs inattendues), récurrents car nous avons le recul pour cette appréciation bien sûr… Ces caractéristiques sont des repères importants dans l'évolution du projet de Marc Moulin et ses acolytes, projet qui n'était pas limité à l'enregistrement d'albums exploratoires mais comprenait aussi concerts et collaborations dans des répertoires très vastement jazz.
Sur ce premier disque, Philip Catherine n'en fait pas (encore) des tonnes : il y aurait presque plus de guitares chez Placebo qu'ici ! Son empreinte transparaît surtout dans ses choix "techniques" : les réglages d'effets et l'attaque rythmique diffèrent selon les morceaux, ce qui au passage évite de se lasser lors d'une écoute intégrale du disque, et son phrasé se révèle clair et délié (l'influence certaine de Barney Kessel et Wes Montgomery). Ses improvisations concises sont à l'opposé des étalages "tégévesques" d'un John McLaughlin ou d'un Larry Coryell - que Catherine côtoiera finalement quelques années plus tard - mais ne sont pas pour autant mises en avant dans le mix. Ainsi le groupe (dont la rythmique est complétée par Freddy Rothier à la basse et Freddie Retonde à la batterie) n'est pas spécialement au service de la guitare, confirmant le sentiment d'écouter un disque de Placebo sous alias.

Homogène et agréable quoique inabouti, cet album de Philippe Catherine est au final bien plus captivant que les suivants sur Atlantic où le groove s'incline au nom de la tendance jazz-rock. Mais le grand intérêt de "Stream" est surtout d'offrir un instantané unique du groove instrumental européen du début des années 70, dont on a dit et redit qu'il n'a jamais existé commercialement, limitant drastiquement son rayonnement - d'autant plus en terre francophone hélas… Mais heureusement, nous sommes là ! 

*Eh bien ça y est, la réédition (officielle, sur le label japonais KTI) de cet album "Stream" est désormais disponible, la version CD proposant même 3 bonus tracks !

Jayme Marques ¤ The London Connection

Né au Brésil mais résidant en Espagne dès les années 60, Jayme Marques est, depuis les années 70 et le début (tardif) de sa discographie, une figure tutélaire de la musique européenne. Guitariste et arrangeur talentueux, il a su rapidement s'affranchir de la bossa nova dont il est un représentant de la deuxième génération, pour s'imposer sans coup férir sur des terrains jazz, free ou - évidemment - flamenco. Très apprécié en Angleterre dès ses apparitions live dans les années 80, Jayme Marques a vu sa popularité coïncider avec l'émergence du mouvement acid jazz - dérivé du jazzdance alors en vogue dans les clubs anglais. C'est ainsi que "The London Connection" fut produit, commande unique témoignant à point nommé de la qualité d'interprétation de Marques et ses acolytes. Paru sur le label fantôme Cedar Tree créé pour l'occasion - on ne retrace qu'un seul maxi paru peu après, cet album a toutefois été enregistré en Espagne, et hormis Marques tous les musiciens sont d'ailleurs espagnols.

Cette session homogène - et totalement classe - possède ses moments forts, comme l'introduction sérieusement groovy du classique "Berimbau" ou le chorus d'harmonica de Jose Luis Bustamente sur "Nana das Aguas", l'une des deux compositions de João Donato réinterprétées ici. Les interventions de Tito Duarte à la flûte ou au saxophone sont des plus sympathiques, et le leader assure sans forcer - même pas besoin !

Non indispensable puisqu'il n'apporte rien de nouveau au genre, ce disque est tout de même intéressant par l'ambiance qu'il dispense (franchement, QUI n'aime pas le jazz brésilien ??), voisine des productions contemporaines du label Right Tempo par exemple, et du fait qu'il soit l'un des albums survivants de l'ère du CD, dont le jazz actuel est malheureusement trop souvent prisonnier.

Smooth it.

Dizzy Bats ¤ The Light and the Dark

Alors qu'on continue de gloser sur la suprématie du format vinyl en omettant d'en préciser les fondamentaux, à savoir qu'elle dépend tant du soin apporté à la production musicale - de l'enregistrement jusqu'au pressage test - que des procédés techniques de fabrication du disque lui-même (qualité des matières premières, réglage ad hoc de chaque machine faisant partie de la chaîne de production, rapport signal/bruit maîtrisé...), nous autres diggers attribuons surtout cette supériorité à la possibilité d'écouter des enregistrements uniques, rares, oubliés, inconnus, disparus. Chacun de ces qualificatifs est assez signifiant, mais ils peuvent à eux tous caractériser le même objet : dans ce cas c'est l'extase assurée.

C'est en Suisse, du côté de Neuchâtel, qu'il faut aller dénicher le mystérieux septet Dizzy Bats, dont l'excellent LP "The Light and the Dark" constitue la seule trace discographique. Petit pays + petite renommée + petit pressage : pas de doute, on est à fond dans le deep. Que demander de plus ?

Sur les huit titres que contient cet album arrivé dans les bacs au début de l'année 1976, sept sont issus du répertoire US jazz du moment, et les références visent assez haut : Gary Burton, Chick Corea, Wayne Henderson, Billy Cobham, Sonny Rollins, Stix Hooper, Weldon Irvine. Du TRES beau monde ! Le choix des morceaux (tous instrumentaux) est des plus inspirés, parole de jazzfunk addict, et pioche dans des albums sortis entre 1970 et 1973, en se référant à la plus ancienne version publiée. Interprétées fidèlement par des musiciens inconnus mais dont la virtuosité technique ne souffre d'aucune contestation, ces glorieuses compositions retrouvent une patine artisanale bienvenue. Non que cela constitue une franche redécouverte, mais le son artisanal du studio Max Lussi de Bâle ajoute en fraîcheur à ces thèmes qu'on reconnaît peut-être plus par le grain typique des productions des majors de l'époque que par le travail d'écriture, pourtant remarquable : "Le Lis" et "Liberated Brother" sont des classiques 70s affirmés et souvent cités, "Leroy the Magician" (qui a inspiré Bernard Lubat et Hervé Roy sur le disque "Vibrations") ou encore "What Game Shall We Play Today" (à l'époque chanté par Flora Purim, la compagne d'Airto Moreira) mériteraient de l'être autant. L'excellent morceau éponyme "The Light and the Dark" se hisse sans peine au même niveau que ces pépites. Il est composé par Philippe Bovet, qui avec François Borel - crédité sur la rare bande originale de "L'Oeil Bleu" - est le seul membre de Dizzy Bats dont on a pu retrouver trace par ailleurs. Cela n'enlève rien aux qualités des autres protagonistes, du saxophoniste au bassiste en passant par le batteur : ils prennent tous au moins un chorus sur l'album et s'en tirent admirablement, dans un esprit proche de l'œuvre jouée mais suffisamment distant pour se l'approprier, le tout sans faiblesse ni sur-étalage technique. En un mot, ce disque est une réussite, et pas seulement dans ce registre jazz groovy qui n'a finalement eu de réelle prise qu'en Allemagne et en Europe Centrale et du Nord - la France et l'Angleterre préférant le free jazz ou le jazz progressif. Quoi qu'il en soit, "The Light and the Dark" est un opus des plus agréables qui mérite de revoir enfin la lumière !

Oh Ye.

Ben et sa Tumba ¤ Barclay EP 72.700 (1968)

Ce n'est pas un hasard si l'exotica, succédant au jazz déjà soigneusement laminé par les élites blanches, est devenu le courant musical en vogue au milieu des années 50, comprenez au crépuscule des politiques coloniales ayant soigneusement entretenu la condescendance des métropolitains envers toute culture préalablement soumise, éventuellement considérée au motif de ses velléités émancipatrices plutôt que par sa richesse intrinsèque. L'occidentalisation des musiques d'ailleurs s'est généralement effectuée sous le mode du divertissement, par l'incitation à l'évasion et au voyage ; ce traitement est alors une garantie facile et immédiate de respectabilité et de rentabilité, à l'aube de la production musicale de masse autant que du développement dramatique des transports. C'est aussi l'occasion d'un renouvellement esthétique pour les interprètes de ces musiques, traduit par une explosion de couleurs des décors, des vêtements mais aussi des acteurs humains eux-mêmes, quand le jazz, la variété ou la musique classique demeuraient désespérément sobres. Confinant au burlesque aujourd'hui, à l'heure de la globalisation, le télescopage grossier des cultures perdure encore dans certains lieux immuables tels les cabarets, ou bien renaît sporadiquement le temps d'une mauvaise comédie ou d'un anniversaire hipster (si ce n'est pas la même chose), mais il n'y a plus vraiment lieu de s'indigner, au contraire. Ainsi chez Hanimex nous nous autorisons à pardonner un relatif manque d'authenticité, car nous aimons la légèreté des saveurs exotiques gentiment acidulées, et en général tout ce qui incite à l'épanouissement ensoleillé voire lascif.

Bien que d'origine algérienne, c'est en popularisant les rythmes afro-cubains que le chanteur et percussionniste Ben Bakrim a connu le succès. Il n'est pas imprudent d'affirmer que Ben a largement initié le philistin parigot à la magie des syncopes caribéennes. En témoigne sa discographie pléthorique entamée en 1955, en plein boom exotica : elle comporte près de trente EP sous le nom de Ben et sa Tumba (complété parfois de "son Orchestre"), tous parus chez Barclay en une quinzaine d'années seulement, période au cours de laquelle ce travailleur acharné était aussi directeur de l'orchestre du Lido. Les amateurs de rare groove connaissent surtout Ben pour son ultime - et magistrale - livraison discographique en 1971 sous le nom de Ben & the Platano Group, apogée paroxystique d'un parcours qui aura mis le temps à décoller, notamment faute de concurrence, mais qui mènera rapidement notre homme à l'asile psychiatrique par la case burn-out. Au fil des parutions, Calypso, Boléro, Cha-cha, Mambo, Conga reviennent invariablement au programme, dans un ronronnement à peine troublé par quelques reprises de meilleure tenue, citons par exemple "Watermelon Man" ou "Soul Sauce" au milieu des années 60.
Antépénultième volume de cette prolifique livrée, le sympathique EP que nous présentons ici est paru fin 1968, et c'est un exemple parfait de joyeux cabotinage musical comme nous aimons en rencontrer, ainsi que le prouve le premier morceau "Cortate los Pelos Antonio", un jerk nerveux où Ben tente de convaincre son pote Antonio (à la voix plutôt fluette) de se faire couper les cheveux... Ils parlent dans un espagnol de pacotille et ça amuse bien le franchouillard de base, mais au final ça donne un track efficace au milieu d'un set boogaloo. "Malika" qui complète cette face A est un boléro sans grand relief, et "Mazatlan" est un cha-cha mâtiné de guajira, au tempo plutôt lent lui aussi bien qu'assez lyrique. Le dernier morceau "Te Chocolate o Cafe" (no comment) redonne un peu d'allant à l'ensemble, c'est un cha-cha classique où le contrechant du piccolo équilibre la voix, laissant la conclusion à l'orchestration qui, c'est assez rare pour être signalé, ne sent pas trop la naphtaline.

Moins frénétique, pas forcément moins rare et certainement moins désirable que le dernier EP de Ben paru en 1969 "Jerk's Latino Americano" (bon courage si vous le cherchez), ce disque inédit par ailleurs est tout de même digne de figurer sur votre wishlist.
Une petite anecdote deep pour finir : Ben était surnommé 'Zouber' pour éviter la confusion avec son frère Ben Ahmed qui fut joueur puis entraîneur au Football Club des Girondins de Bordeaux.

Cheating the system

Pour éviter les désillusions causées par les dead links, nous avons décidé de tester un nouvel uploader... sans la moindre prescience d'une éventuelle amélioration du service rendu. Cela étant, on y croit. Vous aussi peut-être ?

Orchestra Cometa ¤ Daydream

Nous continuons de distribuer nos bons points avec ce disque longtemps introuvable sur la blogosphère mais néanmoins magnifique, apte à satisfaire les collectionneurs les plus exigeants n'en doutons pas... Et comme nous nous adressons à tous les publics, donc potentiellement aux novices, nous devons préciser qu'il s'agit du retour de la library dans nos sélections ultra deep, avec pour la première fois dans ce blog un focus sur une production italienne, en l’occurrence celle de musiciens (inconnus) constituant le mystérieux Orchestra Cometa, enregistrant pour le non moins nébuleux label du même nom, qui n'est même pas documenté dans la première édition de la bible de Johnny Trunk "The Music Library" !
C'est d'aillleurs surprenant, car à l'image de Sforzando, qui en France a produit les fameux disques TéléMusic, Cometa est l'un des rares éditeurs indépendants d'illustrations sonores ayant pu maintenir son activité tout en traversant les turpitudes successives du marché de la musique, du marasme créatif des années post-disco au bouleversement de la musique numérique, en passant par la valse des supports et des techniques d'enregistrement. Heureusement qu'Internet et ses réseaux sociaux ont permis la réémergence de cette admirable officine ! Et la vampirisation des originaux préservés par des collectionneurs gloutons à n'en plus finir, par la même occasion, mais ceci est un autre débat.
Bref. Alors donc, qu'est-ce que la library peuvent se demander les derniers arrivés ? Rien moins que de la musique d'illustration produite sur commande et destinée à un usage professionnel (studios, medias...) ; elle se doit d'être rentable sinon de bonne facture avant tout afin de remplir son usage, mais peut s'avérer substantiellement riche en d'autres points (esthétique, technique, mélodique...) et ainsi devenir intéressante, appréciable ou même désirable hors de ce contexte. Âmes sensibles survenir...

Dans ce cas, à quoi reconnaît-on un bon disque de library ? En premier lieu à sa pochette, qui si elle se distingue séduira immédiatement le simple amateur ou le digger averti. Est-ce une image générique uniquement destinée à assister le laborieux rat de studio dans sa recherche de fond sonore ? Ou est-ce plutôt une représentation singulière du potentiel évocateur qu'une illustration musicale peut proposer ? Second choix mon capitaine. Celle de cet album 'Daydream' est l'œuvre de SerGiotto (lequel devait être le designer maison puisque d'autres albums du label sont signés de sa patte), et elle possède de solides atouts : un équilibre chromatique chaleureux renforcé par un fond de couleur vive (bien qu'une rumeur de disquaire prétende que le vert soit la couleur la moins attirante (!) pour un album, le débat est ouvert... lol), une typographie originale, une image puissamment métaphorique (vous voyez la fleur ? les yeux ? combien ? un soleil ? des plumes de paon ? juste une main ? rien du tout ?), et une simplicité dans la composition somme toute remarquablement fonctionnelle. Avec de tels atouts, il ne fait aucun doute que ce disque est du plus haut intérêt, mais il faut avouer que ce vert printemps est quand même sacrément enjôleur et suffit à lui seul à susciter la curiosité.
La séduction opère dès la roborative introduction du premier morceau "Rash", l'une des cinq tueries jazz-funk de cet album atypique dont l'écart-type des genres musicaux est singulièrement large. Ici, clavinet, batterie, saxophone, flûte, guitare et basse sont entièrement au service du groove, et c'est on ne peut plus sérieux ! Arrive ensuite le bien-nommé "Daydream", ballade très lyrique où les instruments (flûte, Rhodes, harmonica, violons) se voient successivement confier la progression de la mélodie, évolutive et non répétitive. Elle fait place à "Simpton", étrange mélopée construite à la flûte sur fond de cordes stridentes et inspirant une captivante tension. Réveil brutal à l'arrivée de "Bike", un groove puissant étonnamment qualifié de "bossa moderata" dans les crédits de pochette, il faut bien réserver quelques surprises à l'illustrateur... On passe rapidement la country cheesy de "Gadder" pour retrouver sur "Ferry-Boat" le même groove sévère entr'entendu précédemment - et la même qualité d'exécution. On voudrait que ça tourne plus longtemps, mais la durée moyenne des morceaux de l'album n'est malheureusement que de deux minutes trente secondes... C'est le cas des très courts "Rêverie", une envolée à la John Klemmer bonne période où le saxophone (soprano) est muni d'un echoplex pour évoquer les doux errements d'un esprit flottant et vagabond, et "Diplomat", un swing tranquille où le soliste, toujours au soprano, a tout loisir d'évoquer "l'étourderie" en musique... Voilà qui clôt une première face au zapping tout à fait éclectique et qui rappelle ce que les Français proposaient à l'époque : les labels Freesound ou Timing par exemple, ou les productions polymorphes de Jean-Claude Pierric. La library latine n'a décidément rien à voir avec les livraisons anglo-saxonnes... En comparaison, la face B est un peu moins tranchante, avec seulement deux morceaux jazz-funk énergiques ("Canty" et l'incroyable "Obstinacy" où le clavinet est doublé de basses jouées au Moog), un peu plus de cheese ("Swallow", "Happy Fire" et "Old Scotch"), le délicat "Glamour" où la virevoltante flûte ose de ponctuels riffs groovy sur un classieux parterre de violons, et "Riddle", pour conclure, offrant un dialogue Rhodes-flûte sur fond de jazz légèrement groovy.

N'en déplaise aux dee-jays et autres collectionneurs tâtillons, un bon disque de library est d'abord conçu pour offrir une cohérence ou une variété de morceaux suffisantes pour les besoins de l'illustrateur. C'est le cas de Daydream, qui s'il arrive un peu tard dans la chronologie du genre (a priori paru en 1977, mais rien n'infirme que les enregistrements aient été plus anciens), n'en est pas moins une œuvre très consistante : le feeling des musiciens, qu'on devine talentueux, y est pour beaucoup. C'est cette impression que nous conservons après écoute : le souvenir tant d'une rythmique percutante et soudée que d'un lyrisme léger mais profond, pour ne pas dire deep, magnifiquement porté par les instruments à vent, flûte et soprano en tête.
Oui, par ses riches et joyeuses harmonies autant que par la diversité de ses thèmes, ce disque prouve s'il en était besoin que la musique est bien le langage de l'âme...

Place aux rêves !

Last but not least : très courageusement, le label Cometa propose des reproductions vinyl de certaines parutions ("Daydream" s'est d'ailleurs ajouté à la liste en 2016). Les rééditions de ce prestigieux catalogue sont accessibles en direct sur leur website officiel. Respect !

Stuck in the middle

Nos cerveaux bouillonnent ! Du nouveau deep se profile. Patience...

Babik Reinhardt ¤ Sinti Houn Brazil

Amateurs de deep soyez extrêmement attentifs, car voilà un disque rare et oublié mais néanmoins doté d'un pedigree des plus significatifs : autant de critères propres à susciter l'intérêt de tout digger respectable... donc exclusif. Mince, de qui est-ce qu'on parle là ?!?

Bref. Ce nouveau post est donc consacré au premier album solo de Babik Reinhardt, et même si la discographie du "fils de" tient sur les doigts d'une main (pas celle de son père, hein...), il constitue très certainement une totale découverte pour vous.

A vrai dire, la distribution extrêmement confidentielle de cet opus est une excuse parfaitement valable. Le label CBS, subdivision européenne de la major d'alors Columbia, est en effet un riche pourvoyeur de raretés (comprenez : disques novateurs difficiles à promouvoir) comme Placebo, Bernard Estardy, Les Masques, le sous-label AKT déjà présenté dans ce post,... la liste est longue.

A l'examen de la pochette, on pressent l'inhabituel, et a fortiori le deep : au recto une image des musiciens se réchauffant autour d'un feu de palettes dans une cour de ferme, au verso un poème abscons** en hommage au leader... et un line-up qui interpelle, la faute à deux noms ronflants car hautement révérés par les amateurs de rare groove de France : Fernando Martins (piano, Trio Camara) et Alex Bonavita (guitare, Structure, compilation Jazz à Marseille). Voilà donc pour ledit pedigree, alléchant avouons-le, de ce quintet complété par Marcel Sabiani à la batterie et Robert Cradel à la basse (et non Jannick Top comme le mentionne le website de Sabiani). Ceci posé, on hésite entre le sentiment appréciable de pouvoir encore, de nos jours, découvrir des disques au potentiel excitant, et celui (moins confortable) d'avoir raté quelque chose depuis tout ce temps. Pas sûr que vous trancherez entre ces avis une fois que vous aurez digéré cette chronique...
Bref derechef. Maintenant que les présentations sont faites, concentrons-nous sur la musique s'il vous plaît. L'entrée en matière est relativement abrupte, impression retrouvée tout au long de l'écoute : les tempos sont enlevés, la batterie (très sèche) ou les riffs nerveux de la guitare rythmique sont présents dès l'introduction des morceaux. Bien qu'indéniablement seventies, le son surprend quelque peu et semble même un peu froid... Les timbres des instruments ne sont pas aussi séduisants qu'on aurait pu l'espérer, de la guitare du leader au son somme toute convenu à la batterie plate et sans ressort (mais avec un peu trop de cymbales...) en passant par le piano Rhodes à la sonorité moins chaleureuse qu'à l'accoutumée. Tout cela souffre de la comparaison avec les références du genre, la faute à une production visiblement limitée, mais néanmoins garante de deep, again. Dans l'ensemble, l'ambiance se montre méditative et mélancolique, sans autre relief que les variations d'intensité des longues plages d'improvisation dans lesquelles il est bien difficile de déceler un lien avec le Brésil, à moins que le titre de l'album ne soit simplement trompeur. Mais alors, où donc réside l'intérêt de ce disque ? Certainement dans son caractère unique, ce qui de facto le rend difficile à classer. Lorgnant vers le jazz-rock alors en plein boom en Europe, mais dans une version artisanale bien atypique, les musiciens y expriment leur vécu à nul autre pareil, sans chercher à copier les productions américaines par des gimmicks éculés ou des arrangements grandiloquents.

Il faut rappeler qu'à l'époque (1972) les moyens tant matériels que financiers requis par les instruments électrifiés limitent grandement leur accessibilité et donc leur maîtrise. En particulier, les synthétiseurs n'ont pas encore déferlé sur le Vieux Continent. En France ils restent confinés à des studios montés de toutes pièces par des musiciens-chercheurs à la richesse substantielle : Ganaro pour Eddie Warner, CBE pour Bernard Estardy, etc. Les contraintes associées à l'utilisation de ces machines (encombrement, connaissances technologiques requises, coût d'importation) ont retardé leur apparition dans la musique européenne, entretenant le décalage avec les classiques alors enregistrés aux Etats-Unis, renforçant du même coup la singularité des albums de cette courte mais faste période.

"Sinti Houn Brazil" navigue donc dans la vaste catégorie du jazz plus ou moins "fusionné", adulé déraisonnablement par une poignée d'aficionados, délaissé voire moqué par le plus grand nombre. Il reste à faire fi de la temporalité de l'œuvre, pour l'apprécier en esthètes simples... mais authentiques.

Après vous : huup://www.mediafire.com/file/vzd2z3bbfmnk5kh/13+-+Babik+Reinhardt.zip/file

** ledit poème est signé Sandra Jayat dont il est question ici et là.

Some guys ask for podcasts

C'est bien gentil d'écrire à peine deux-trois chroniques deep chaque année, mais ce n'est guère suffisant pour combler votre soif de culture (musicale), deep elle aussi. Eh bien réjouissez-vous : je sors parfois la gross install pour me faire plaisir dans le salon, et j'en profite même pour enregistrer ce que ça donne... C'est fou, non ? En effet. Voici donc quelques sélections sympathiques (brasil, library...) à déguster ET à partager en consultant ce mixcloud.

Et bien sûr... more to come !

Celebrating 10,000 views

Vous n'avez peut-être rien vu (surtout que slate n'en a pas parlé), mais notre compteur de visites a franchi un cap remarquable à la mi-juin. Oui, notre blog hanimex3000, qui est aussi votre blog, a en effet dépassé les dix mille affichages, incroyable nespa. C'était donc une excellente occasion pour nous de rationaliser quelque peu l'agencement de l'ensemble, en témoigne cette nouvelle et magnifique bannière signée Margaux. Cette modernisation graphique bienvenue soulève de nombreuses questions bien compréhensibles comme "une telle modification esthétique en appelle-t-elle d'autres plus radicales ?", "ce merveilleux blog artisanal va-t-il engager une restructuration profonde à l'instar de myspace, risquant de perdre son apparence pimpante si aguichante et ainsi son attrait ?", "le deep sera-t-il toujours préservé chez hanimex en dépit de la mondialisation rampante ?" ou encore "les bloggeurs EyeBender et NewBell ne risquent-ils pas d'attraper la grosse tête ?", entre autres interrogations qui ne nous ont pas encore été signifiées par mail, c'est pourquoi nous prenons les devants.

Nous tenons donc à rassurer nos sympathiques supporters : rien de tout cela ne devrait se produire, en tout cas tant que nous resterons actionnaires maj... pardon acteurs de notre blog. A l'avenir, nous poursuivrons l'exhumation du deep sans pour autant varier la cadence qui demeurera celle d'une officine modeste mais consciencieuse et donc digne d'intérêt : parions sur deux ou trois nouveaux posts cette année, pas plus. Soyez certains que nous continuerons à défendre nos valeurs et notre légitimité car c'est pour nous un véritable sacerdoce.

The deep will last, ever!

Focus on the Plexus Records tapes

Flash-back. En 1963, la société Philips dépose le brevet de la musicassette, avec en filigrane l'ambition de permettre au grand public de domestiquer la bande magnétique. Faisant irruption sur le marché du support musical à la fin des années 60, la cassette n'aura pour elle, passé l'effet de nouveauté puis de mode, que son accessibilité financière (en accord cependant avec la qualité perçue), sa compacité et par là même son côté pratique indéniable (merci les autoradios, les baladeurs et les boomers !). Décriée dès la décennie 70 avec l'amorce d'une baisse des ventes de disques au prétexte qu'elle offre un moyen bon marché de les dupliquer, et après un pic de popularité dans les années 80 grâce à la portabilité du walkman et au déclin du vinyl, la cassette s'éteint peu à peu avec le renouvellement des supports, CD en tête, ne résistant que dans les marchés retardataires et chez les irréductibles pointilleux, en particulier les producteurs de musique expérimentale.

Mais voyez comme la vie réserve de belles surprises : en 2013, tout juste cinquante ans après la naissance de la K7, le jeune Guillaume Saintillan se lance dans la production musicale physique avec la ferme intention d'être plus deep que la moyenne. Plutôt discret, le garçon a quand même pignon sur rue avec sa boutique spécialisée dans les disques vinyl en plein centre ville de Poitiers : Plexus Records. Un nom, un blog, une référence immédiate. Immédiate et objectivement évidente au vu de la conjoncture...

En remarquant que cassette + production indépendante + 2013 = deep, notre homme tente un pari particulièrement culotté : dérouler le tapis rouge à de jeunes talents en devenir, en investissant pour ce faire un espace déjà bien encombré tout en revendiquant une place à part ET enviable. Equation sans solution ? Nenni. Nous vivons une période troublée et troublante mais il y a encore de belles choses à inventer, surtout musicalement. Dont acte...

Cette expérience accouche finalement de quatre beat tapes au sens strict du terme fabriquées chacune en cinquante exemplaires : quatre fois une heure d'instrus soignées et prêtes à l'emploi, à l'originalité et l'identité affirmées. Produites sur ordinateur et ensuite enregistrées sur bande (!!), voilà un contre-pied-de-nez risqué et presque snob fait aux pratiques courantes, mais parfaitement assumé en pleine ère numérique... Audacieux. Les quatre fantastiques ont pour nom Mr Hone, Maodea, Meyso et Oteest : la crème des beatmakers de l'ouest, de France, du monde. Ces trublions supportent aisément la comparaison avec les pointures du genre, même californiennes. Résolument hip hop, leurs productions se distinguent néanmoins par un territoire propre à chacun : les découpes chirurgicales de voix soulful chez Mr Hone, un feeling extrême-oriental déroutant chez Maodea, des références-révérences au Brésil et au jazz-fusion chez Meyso (avec toujours cette snare qui perfore les tympans sans crier gare), et de l'electro instable chez Oteest. Qualité totale, hands down. Lourdeur des samples et feeling onirique des morceaux, puissance des sons malgré la qualité k7 : ça fait mal comme un coffret de chez Numero Group ! Impensable mais vrai.

Exclusivité oblige, au bout d'une semaine il n'y en avait déjà plus à vendre... et nul doute qu'aucun heureux acquéreur ne se séparera de ces petits fétiches avant longtemps. Il semble toutefois rester un micro-stock chez http://vinyl-digital.com, alors magnez-vous car cela ne durera pas éternellement... Et pour savoir ce que vous ratez, et accessoirement en prendre plein les oreilles, le sampler des K7 est toujours accessible sur http://plexusrecordstapes.bandcamp.com.

Reste donc à suivre d'ultra-près l'actualité de cette bande d'esprits foisonnants, et attendre les prochaines parutions estampillées Plexus Records : le glorieux format vinyl devrait être à l'honneur d'ici peu.
Et n'oublions pas de saluer l'excellent artwork signé Noky de l'Agence Capsule, ainsi que la dernière deepitude en date chez Plexus Records, parue à l'occasion du Record Day : le lost first album de Mr Hone, disponible au format CD en quantité tout aussi limitée... Don't sleep!